7 - Les diamants sont éternels - 1971

Le trente décembre 1971 (soit deux semaines après les Etats-Unis, auxquels ce film est à nouveau principalement adressé) le public anglais découvre les nouvelles aventures de 007. Un frisson particulier les accompagne car Les diamants sont éternels marque le grand retour de Sean Connery dans le rôle qu’il a créé !

Après une première image très japonaise, peut-être pour relier le film à On ne vit que deux fois plutôt qu'au fiasco précédent, la séquence d'ouverture introduit efficacement le revenant, avec des scènes très ludiques dissimulant son visage jusqu'à une révélation en pleine lumière. Le passage nous rassure également sur le retour du mâle héros, après le falot Lazenby, puisque 007 n'hésite pas à user d'une violence marquée envers une damoiselle pour parvenir à ses fins! (Denise Perrier, mannequin chez Play Boy et unique Miss Monde française, en 1953 : la scène est d’ailleurs tournée au Cap d’Antibes) La brillante démonstration se conclue par un très efficace scène de combat contre des tueurs du SPECTRE (ornés bizarrement de casques appelant Le Mort Vivant) et une apparente élimination de Blofeld. James bond, le vrai, est de retour et il n'est pas content. CQFD

La réapparition de l’acteur s’accompagne de celui des grands noms d’une saga cherchant à capitaliser sur son acquis, après la terrible secousse de OHMSS. Guy Hamilton, réalisateur de Goldfinger, revient donc aux commandes en amenant avec lui tout son savoir-faire. La mise en scène du film en sort dynamisée et autrement électrique que lors de l’opus précédent. Les scènes d’actions se succèdent à un rythme plus soutenu, avec souvent un vraie efficacité à la clef : fuite trépidante en LEM sur fond de désert, frappe orbitale, attaque, cette fois spectaculaire, de la base de Blofeld (de nouveau héliportée, comme pour rattraper le coup après le bâclage précédent) etc. La scène la plus relevée dans ce domaine demeure tout de même l’affrontement sans pitié dans l’ascenseur, dont la férocité et l’exiguïté évoque le fameux duel avec Red Grant. Les amateurs des Avengers n’en seront pas surpris car ils y reconnaîtront Joe Robinson, l’imposant lutteur et cascadeur ayant formé Honor Blackman pour les nombreux combats de Cathy Gale. Son imposante présence se retrouve dans l’épisode Le cinq Novembre et ils écrivirent ensemble le Honor Blackman’s Book of Self Defense, en 1965. Robinson achève ici fort joliment sa carrière à l’écran, avant de se consacrer à l’enseignement des arts martiaux.

Outre le sens du tempo et de l’image d’un Hamilton sachant également toujours aussi bien mettre en valeurs les sublimes paysages traversés, Les diamants sont éternels s’appuie également sur un autre retour, celui de Ken Adam. Même s’il n’atteint pas ici les sommets de On ne vit que deux fois, on admire comme toujours son sens raffiné et audacieux du design, dans des décors portant indubitablement sa griffe (le bureau de Blofeld, la villa de Whyte) mais aussi originaux comme ce sublime satellite, bien supérieur à sa reprise de Meurs un autre jour, cette ahurissante suite d’hôtel très Las Vegas ou cette baignoire si glamour où 007 prend son bain (on retrouvera l’idée dans l’épisode Hollywood des X-Files). Le spectateur ne peut qu’admirer la propension de Adam à décliner son style au gré des pays traversés par 007, avec toujours un rare impact. Classicisme renouvelé également en matière musicale, avec un John Barry toujours à la baguette mais surtout avec les retrouvailles avec Shirley Bassey, déjà interprète de Goldfinger et qui se révèle encore merveilleusement inspirée ici. L’imagerie du générique allie à merveille les éléments féminins traditionnels avec la splendeur de diamants somptueusement filmés.

L’inexpugnable Richard Maibaum se voit confirmé à l’écriture des aventures d’un agent secret hors normes qu’il connaît à la perfection, notamment par des dialogues toujours percutants. S’il décline effectivement avec maîtrise les différents rituels de la série, on lui reprochera un certain manque de timing déjà manifesté dans OHMSS, où le temps d’exposition de l’histoire se révélait beaucoup trop long. Ainsi la première partie de l’histoire, la remontée parsemée de cadavres le long de la filière des trafiquants, où les diamants se repassent selon un modèle proche de L’homme au sommet, commence par divertir, mais finit par lasser tant elle se prolonge. Quand elle s’achève à l’arrivée aux laboratoires de Whyte, pour laisser place au segment principal de l’intrigue, une partie trop conséquente du film s'est déjà écoulée. Mais, davantage encore, Maibaum, et le nouvel arrivé Tom Mankiewicz (qui manifestera le même penchant sous l’ère Moore) vont précipiter l’histoire dans un travers qui viendra hélas atténuer l’impact du film et son éclat : la trop grande inclinaison vers la comédie, parfois jusqu’aux confins de la parodie. Si l’humour a toujours fait partie intégrante des James Bond, il ne constitue qu’un élément du cocktail subtilement caractérisant les opus réussis de la saga, aux côtés de l’action, de l’érotisme ou de la figure de l’Adversaire. Or ici il bondit au premier plan, au point d’imprégner et de dénaturer ces autres rouages du film.

Ainsi, un nouvelle fois après Goldfinger, la série s’en va creuser le riche sillon américain, tant le public de ce pays est devenu une composante primordiale de son succès. Les diamants sont éternels va plus loin que les caricatures rapidement esquissées de ce précédent film, en offrant une véritable immersion américaine. Mais cette tentative se voit grevée par cette omniprésence d’un humour, tantôt plaisant, tantôt pesant, qui va l’empêcher d’atteindre l’intensité de la découverte japonaise de On ne vit que deux fois. Les gangsters rencontrés relèvent de portraits sarcastiques proches des Tontons Flingueurs, divertissant mais hors sujet ici. Le fabuleux décor des illuminations nocturnes de Las Vegas aurait pu faire l’objet d’une intense poursuit en voiture à la Bullit mais, si les cascades spectaculaires ne manquent pas, on tombe dans une surenchère où Hamilton doit de plus gérer un shérif et des adjoints confinant au burlesque. On ne dira pas que tout ceci fait songer à Shérif fait moi peur (on le pensera néanmoins), mais on reste en deçà de ce que le film aurait pu nous offrir.

Whyte apparaît comme une caricature vite irritante de Howard Hughes, d’autant que Jimmy Dean en fait vraiment inutilement des tonnes, sans aucune nuances. Le passage du véhicule lunaire se voit précédé d’un passage que l’on dirait issu du Lone Gunman, suggérant fortement que les alunissages furent en fait réalisés en studio… Le Leiter du jour verse lui aussi dans l’excès, avec un rapprochement très net vers les officiers supérieurs de police qui se multiplieront dans les séries policières des années 70. Par contre on appréciera ce crématorium si délicieusement typique, dirigée pat l’onctueux et ondoyant croque mort, qui n’est pas sans rappeler un certain Mr. Lovejoy et l’agence Cœur à Coeur !

Les seconds rôles ne sont pas en reste, avec un M manifestant un agacement particulièrement marqué face un 007 encore plus irrespectueux que de coutume, sans doute un peu trop. Q est en roue libre, testant notamment des bagues truquant les bandits manchots, tandis que Miss Moneypenny se retrouve déguisée en douanière sans réelle justification. L’humour trop expansif dérègle quelque peu cette atmosphère si attractive des opus précédents. L’apparition de Laurence Naismith (le fameux juge Fulton d’Amicalement Votre) symbolise cette évolution qui se trouvera parfaitement incarnée par son complice Roger Moore au cours des années 70, mais qui jure quelque peu dans l’intensité sans égale observée jusqu’ici durant l’ère Connery.

Cette distanciation, encore hors à propos dans ce contexte, se retrouve hélas chez les adversaires, la fascinante galerie de portraits découverte jusqu’ici débouchant sur d’improbables personnages à l’humour pesant et dépourvus de toute aura. Messieurs Wint et Kidd nous valent des personnages d’homosexuels caricaturaux au-delà de toute nuance (on s’étonne de ne pas les voir beurrer des biscottes) et de surcroît très répétitifs. Même si leurs meurtres originaux, mais aussi inutilement sophistiqués (quelle idée de laisser 007 dans un pipeline sans rien prévoir au-delà !), divertissent, on se situe néanmoins à des années lumière de l’impact d’un Red Grant ou d’un Oddjob. Ils auraient été excellents dans Chapeau Melon (Meurtres distingués !) mais l’univers de James Bond n’est pas le Monde des Avengers ! Le film paraît bien verser franchement dans l’auto parodie. Ce sentiment se voit renforcé par les certes inattendues catcheuses Bambi et Thumper mais dont les quelques préliminaires de combat se résolvent par une baignade déconcertante de facilité. A quoi rime tout cela et où sont les passionnants combats de jadis ? L’humour est bien entendu acceptable, voire désiré, sauf il devient envahissant au point d’en occulter tous les autres aspects que l’on est en droit d’attendre d’un James Bond.

Plus encore le film atteint une véritable déchéance avec Blofeld, ce Génie du Mal occupant un place si marquante dans la saga et qui nous fascinait tant depuis Bons baisers de Russie. Il avait déjà subi une première altération dans OHMSS mais l’abatage de Telly Savalas permettait de maintenir un intérêt chez le spectateur, tandis que Charles Gray nous en offre un portrait sans grandeur aucune. Le si inquiétant adversaire s’est mué en un individu vaguement précieux et mondain, plus ridicule que menaçant. L’histoire des clones ne se traduit que par quelques effets théâtraux des plus faciles tandis que l’on observe un nadir avec cette vision d’un Blofeld grotesquement grimaçant et travesti. Avec les sémillants Wint et Kidd il ne manquait que cela pour achever de donner une image des plus particulières d’un SPECTRE qui n’est plus que l’ombre de lui-même. Cette fois il est vraiment temps de baisser rideau ! Fort heureusement Blofeld connaîtra un crépuscule plus digne de lui dans Rien que pour vos yeux.

Cette dérive du film vers le pastiche se retrouve enfin chez 007 lui même, ce qui accompagne d’ailleurs idéalement un manque de passion flagrant chez Sean Connery, si irrésistible jusqu’ici. Revenu dans la saga suite à un vaste contrat avec United Artists (avec notamment deux autres films à venir, tandis que Connery offrira généreusement son considérable cachet à une œuvre écossaise), il s’agit visiblement plus pour l’acteur d’une nécessité à accomplir avec professionnalisme que d’un film où s’investir pleinement. Son absence rejoint la désinvolture manifestée à plusieurs reprises par 007, qui semble souvent plus en goguette que lancé dans une quête périlleuse, aidé en cela il est vrai par la faible inquiétude véhiculée par les ennemis du jour. Si le manque patent de conviction fait que Connery ne suscite par un 007 aussi enthousiasmant que naguère, il demeure néanmoins cent coudées au dessus de l’indigent Lazenby, consolidant le film sous cet angle. Son talent et son professionnalisme demeurent, l’empêchant de sombrer dans le désabusement. Il n’en reste pas moins que sa dernière apparition dans la saga (on ne fera pas état de l’insignifiant et faisandé Jamais plus jamais) résonne comme le combat de trop…

Si l’atmosphère déjà Seventies s’étendant déjà sur le film ne convient guère au 007 de Sean Connery, définitivement inscrit dans les années 60, il en va tout autrement pour sa partenaire féminine, la très tonique Tiffany Case, incarnée par la sculpturale Jill ST John. Le manque de célébrité de celle qui succède à Diana Rigg s’explique par l’aura de Sean Connery, il n’est certes plus besoin de recourir à une béquille féminine ! Même si elle souffre toujours du machisme ambiant, elle participe plaisamment à l’action (éventuellement à contre sens), et pas seulement par les nombreuses tenues affriolantes se succédant ! Tiffany incarne avec entrain tout l’amoralité mais aussi l’énergie et la joie de vivre de Végas. Jill ST John apporte un vrai naturel à son personnage, la parfaite associée de 007 pour un tel film, elle chez qui la part si importante dédié à l’humour ne dépare pas, bien au contraire. Jill St-John connut par la suite une carrière essentiellement limitée aux séries télé, mais défraya la chronique en multipliant les amants et maris célèbres et fortunés. En 1990, après huit années de vie commune, elle épousa Robert Wagner, rencontré sur le tournage du pilote de L’amour du risque, avant de prendre sa retraite de comédienne. Jill St John connut enfin un grand succès d’édition avec des livres de recettes de cuisine !

Sur un registre similaire, mais encore plus accentué, on n’oubliera pas la très craquante Abondance de la Queue (sic), jouée par l’irrésistible (et richement dotée par la nature) Lana Wood (sœur cadette de Nathalie Wood, dont, curieusement, Jil St John épousa le veuf, et qui connut une belle carrière dans les séries télévisées américaines). Si la délicieuse cocotte de Casino verse franchement dans le burlesque lors de son plongeon olympique, l’apparition, dans des circonstances peu claires, de sa dépouille dans une seconde piscine manifeste un bel humour noir. Cette lugubre image, efficacement filmée, fait rejaillir par contraste le manque de densité du film.

Film très plaisant, Les diamants sont éternels constituent cependant davantage un pastiche qu’un authentique 007, de par la trop grande orientation vers l’humour ainsi que son interprète principal ayant visiblement déjà l’esprit ailleurs. S’il pèche surtout par l’inanité des adversaires du jour (triste agonie pour le SPECTRE) dans une série ayant connu tant de triomphes dans ce domaine, il réussit néanmoins à distraire. Alors qu’un cycle touche à sa finale départ définitif de Sean Connery laisse 007 orphelin et la série dans la plus grande interrogation, alors même que la tentative de clonage s'est révélée un échec patent. La poursuite de la saga nécessite absolument un second souffle par l’exploration de nouvelles voies. Mais, fort heureusement, un chevalier à la lumineuse auréole, déjà formé à la rude école des voitures de sport et des casinos mondains, est sur le point de voler à son secours…

Le retour temporaire de Sean Connery aura permis à la série de renouer avec un succès ayant pali lors du OHMSS de Lazenby. Alors le budget ne connaît qu’une augmentation modérée (de 6 à 7,2 millions de dollars), les recettes bondissent par contre en avant, avec 116 millions contre 64,6 précédemment. En France le film réunit 2 493 739 entrées.