Série "La Quatrième Dimension"

Joe Mantegna aimait déjà les cinglés vingt ans avant de les pourchasser dans Esprits criminels !

Private Channel (2-18, ***)

Le jeune Keith passe beaucoup de temps à écouter son walkman, évitant ainsi le contact avec autrui. Un dysfonctionnement de l’engin fait que Keith devient télépathe quand il le porte.  Alors qu’il prend l’avion, il a la surprise de découvrir qu’un autre passager pense à l’attentat qu’il va commettre.

Certes on pourra reprocher à Private Channel de présenter comme un air de déjà-vu avec A Penny for Your Thoughts, l’un des Classiques de l’époque Serling. Mais cet ultime format court de la New Twilight Zone (11 minutes) trouve son identité en nous faisant replonger dans les Années 80 à travers non pas une, mais deux thématiques. La première est celle des attentats aériens, la tragédie du 11/09 a bien entendu relégué cela au second plan, mais c’est bien durant les 80’s que s’est installée cette menace (Korean Airlines, Lockerbie, Ténéré...), après des 70’s plutôt marquées par les détournements crapuleux. A sa manière l’épisode sait témoigner de la prise de conscience du public durant cette période. Ensuite, bien entendu l’irruption du Walkman, contre lequel l’anthologie se montre volontiers critique à travers le commentaire d’ouverture, mais aussi le malin plaisir qu’elle met à mettre le protagoniste aux prises avec l’exact opposé de l’isolement recherché.

Une nouvelle fois l’anthologie apparaît quelque peu réactionnaire, mais tant sur les enjeux que sur la posture, on se situe loin de la précédente stigmatisation des objecteurs de conscience. De plus, cela n’a pas empêché le baladeur musical de devenir l’un des absolus totems de cette décennie ; et puis elle n’a pas complètement tort sur cette notion d’isolement recherché. Ceux qui ont vu l’arrivée à l’entraînement des joueurs du PSG ignorant leurs supporters savent de quoi je parle (inimaginable avec les socios madrilènes, bref). Malheureusement cette volonté satirique conduit à dépeindre le jeune Keith comme un imbécile complet, de surcroît passablement désagréable, le rendant rapidement plus irritant qu’autre chose. Cela empêche de se prendre totalement au jeu de son aventure, même si celle-ci demeure rondement menée et bénéficiant d’un dénouement astucieux. A noter que les Flight Attendants et autres passagères permettent de reconnaître de jolis minois des 80's : Rebeccah Bush, Joan Foley et Claudia Cron. Mais je vous parle de l'Atlantide.

Time and Teresa Golowitz (2-18, ****)

Quand le grand pianiste Bluestone meurt, le Diable lui propose de réaliser un souhait, en échange de quelques récitals en Enfer. Le compositeur demande à voyager en 1948, pour pouvoir « conclure » avec un amour déçu de jeunesse. Au lycée, il rencontre Teresa, une autre jeune femme, et le Diable lui indique que celle-ci va bientôt se suicider du fait de son isolement social.

Avec des sentiments mêlés, nous avions précédemment remarqué que The New Twilight Zone condensait sa liberté d’anthologie autour de trois thèmes principaux : les voyages dans le temps, les souhaits réalisés et ces pactes que l’on peut volontiers conclure sur un carrefour. Hé bien les voici tous les trois réunis dans cet opus, c’est une forme de Grand Chelem.

Pour l’anecdote, CBS avait alors pris ombrage de ces manifestations sataniques (même si ici plutôt positive) du fait de son public familial et avait exigé son remplacement par l’Archange Gabriel. La demande put être repoussée, DeGuere s’appuyant sur le texte originel, publié dans The Twilight Zone Magazine en 1982. Même si faire appel au Porteur de Parole dans une série fantastique sera une idée à retenir (et on se souvient de son intervention musicale dans le A Passage for Trumpet de Serling), on se réjouit de la permanence du Malin. En effet cela nous l’un des tous meilleurs guests de la série, avec cet acteur si classieux que fut Gene Barry, l’Homme à la Rolls, l’Aventurier, etc. Il est parfait dans cette version du rôle, absolument parfait.

Avec aussi un joli clin d’œil, cette grande figure de Broadway incarnant  à merveille un malicieux Satan, grand amateur de ses comédies musicales. On se régale, d’autant que l’association avec cette autre habitué de Broadway que fut Paul Sand fonctionne du tonnerre et que l’épisode assume pleinement sa dimension musicale, avec l’interprétation de quelques standards (How About You?, Sweet and Lovely). Les plans sur les mains du pianiste s’avèrent d’ailleurs nettement plus convaincantes que lors de The Convict's Piano. Ce sont celles de William Goldstein, bien entendu très impliqué dans le projet. Un jeune Grant Heslov se montre également excellent dans la version adolescente du protagoniste.

On se laisse volontiers gagner par le charme certain de cet épisode semi-musical, bien davantage ambitieux et abouti que Grace Note, en saison 1. Et ce d’autant plus qu’il ne se limite pas à la comédie et sait pleinement aborder ses thématiques : la dépression liée à l’isolement social et la musique et le chant comme remèdes aux maux de l’âme. Évidemment, il n’y a guère de suspense, on ne doute jamais que l’Artiste va réussir sa mission à la Tru Calling, mais qu’importe. Cela n’empêche pas d’apprécier une conclusion joliment malicieuse en faveur d’un séduisant Prince Noir, mélomane et sybarite, face aux très engoncé ordre céleste. CBS en frémit encore.

Voices in the Earth (2-18, **)

Mille ans après que la vie humaine s’y soit éteinte, la terre est visitée par une expédition venue d’une de ses anciennes colonies. L’archéologue Donald Knowles s’aperçoit que la Terre est encore peuplée des fantômes des derniers humains, jadis abandonnés à leur sort. Mais la Commandante Jacinda Carlyle ne se préoccupe que de s’emparer des ultimes minerais de la planète.

L’épisode a la bonne idée de nous faire retrouver l'aussi belle que douée Jenny Agutter, actrice anglaise (OBE) particulièrement en vue dans les années 70 et 80 (Jessica dans le film L’Âge de Cristal, en 1976). L’anthologie ne nous l’avait fait rencontrer que trop brièvement dans The Last Defender of Camelot, où elle incarnait d’ailleurs une Fée Morgane pas piquée des vers. Elle et le vétéran Martin Balsam campent un solide duo protagoniste, que l’on aurait apprécié suivre dans un épisode davantage emballant. En effet, si Voices in the Earth témoigne de la persistance du thème écologique apparu en SF dès les années 70 (bien avant que le grand public ne s’en saisisse) et s’il permet à The New Twilight Zone de renouer avec les épisodes développant une morale, tout ceci s’effectue de manière assez empesée. Une fois posés de beaux décors et le thème joliment mélancolique des fantômes apparaissant au son des Nocturnes de Chopin, le récit se limite à des péripéties peu palpitantes, assaisonnées de dialogues terriblement sentencieux et conclus par un happy end sorti du chapeau. Alan Brennert demeure un habile auteur évitant de rendre manichéens ses personnages, mais ne démontre pas ici le brio de ses épisodes précédents (I of Newton, A Small Talent for War, etc.).

Song of the Younger World (2-20, **)

En 1916, Amy tombe amoureuse de Tanner, un mauvais garçon . Les deux jeunes gens font face à l’hostilité du très religieux père d’Amy. Amy découvre un livre de magie permettant de transporter son âme dans un monde meilleur. Elle décide de se suicider, en indiquant à Tanner comment la rejoindre.

On découvre cet épisode avec un rien de nostalgie, la top model Jennifer Rubin quasi débutant en cette année 1987 (Les Griffes de la Nuit III) une carrière d’actrice se développant surtout dans les années 90 et 2000 (The Doors). D’ores et déjà les Années 80 voient leur terme approcher. D’autre part l’épisode semble vouloir écrire comme une variante fantastique de Roméo et Juliette, autre jeune couple ayant trouvé refuge dans la mort. Pourquoi pas, mais le projet se voit lesté par une couple de jeunes comédiens n’ayant pas la moindre alchimie.

Par ailleurs, une fois la situation posée,  seul ressort dramatique consiste à savoir si le message d’Amy va parvenir temps ou non à Tanner, ce qui demeure peu consistant pour un récit de presque une demi-heure. Malgré une mise en scène soignée, on s’ennuie assez, l’effervescence romantique manquant à l’appel. Étant donné la tonalité de cette saison 2, il n’y a guère de suspense concernant le happy-end On apprécie néanmoins la référence faite au I-Ching, le Livre des Mutations de l’ésotérisme chinois, celui-là même qui permettait le voyage entre les mondes dans le The Man in the High Castle, de Dick.

The Girl I Married (2-22, **)

Un avocat d’affaires à succès, marié à une professeure d’aérobic en vogue, arrive à l’âge mûr. Même s’il aime son épouse, il a la nostalgie de la jeune femme qu’elle était durant les années 60. Un jour il a la surprise de rencontrer cette version soudainement apparue.

Philip DeGuere filme lui-même cet ultime épisode la saison 2, mais aussi de sa période à la tête de l’anthologie, la saison 3 allant prendre place dans un contexte différent, après l’annulation décidée du fait d’un audimat en décrue. Le narrateur Charles Aidman prend ici également congé. Par ailleurs J. M. DeMatteis, une référence parmi les auteurs de Comics DC aussi bien que Marvel, s’essaie ici à son unique travail télévisuel en dehors des dessins animés d’adaptation. Autant de curiosités rendant plus forte encore la déception que constitue ce Season Finale. Celui-ci se voit en effet  plombé par un évident manque de moyens, succédant à une reconstitution historique bien moins brillante qu’à l’accoutumée lors de l’opus précédent.

Il est manifeste que CBS a décidé d’arrêter les frais une fois prise la décision d’annulation. Le plus triste demeure que le récit passe à peu près totalement à côté de son sujet, qui aurait dû être le regard des années 80 sur les 60, ou le regard dans le réviseur des ex-Hippies (Cf. Mes meilleurs copains, l’année suivante, en 1988). Il est certes mis encplace, mais se noie entre une mise en place inutilement laborieuse de la situation, puis par des dialogues mièvres (et parfois malaisants compte tenu de la différence d’âge, ça c’est le regard des années 2020 sur les 80’s). Bien sûr que l’on regrette toujours sa jeunesse perdue, quelque soit l’époque. Avec des péripéties prévisibles et la conclusion moraliste de rigueur e, on ressent avant tout une occasion gâchée, malgré une distribution de qualité. On appréciera néanmoins la référence à l’aérobic, sans laquelle tout évocation des Années 80 serait orpheline !

Ainsi s’achève la saison 2, on attaque la 3 à mon retour de vacances...

The Curious Case of Edgar Witherspoon (3-01, ***)

Le vieil Edgar Witherspoon a accumulé tout un absurde capharnaüm de mécanismes divers chez lui et y est maniaquement attaché. Inquiète pour son équilibre mental sa nièce fait appel à un psychiatre. Witherspoon lui révèle que son fourbi est l’unique chose préservant le monde de la destruction.

Nous avions pris congé de la saison 2 en juillet 1987, et voici que nous sommes déjà en septembre 1988 quand la saison 3 arrive. Les années 80 s’acheminent vers leur crépuscule et entre-temps tout a changé pour la New Twilight Zone. Après s’être montrée beaucoup plus interventionniste en saison 2 qu’une saison 1 et devant la forte érosion de l’audience en découlant, CBS a logiquement réagi en virant toute l’équipe de la série (of course).

Trente épisodes d’une demi-heure sont finalement commandés après un long hiatus dû en partie à la grève des scénaristes de 1988 (encore la plus longue à ce jour, mais tous les espoirs sont permis pour 2023). Toutefois uniquement pour pouvoir atteindre un nombre d’opus permettant à l’anthologie de tourner en syndication, le tout avec des budgets réduits et un tournage à Toronto comme pour les TNA,  mais aussi J. Michael Straczynski à la supervision des scénarios.

Cette nouvelle saison débute par une itération plutôt amusante du poncif voyant un individu apparemment halluciné racontant une histoire totalement folle à un psychiatre. Un type d’histoire souvent efficace, même si évidemment la chute en devient prévisible. Les amateurs de la période Serling seront en terrain connu, car on se rapproche ici du très réussi Perchance to Dream. Toutefois c’est la similitude avec la terrifiante nouvelle « N. » de Stephen King (2008) qui stupéfie, tant les deux histoires s’avèrent identiques à quelques éléments près, comme la bouleversante évocation des TOC et l’influence de Lovecraft chez King.

Cela contribue à rendre encore plus prévisible l’issue de la confrontation, mais aussi à rendre appréciable la différence de ton, puisque le récit se montre ici volontiers humoristique. Il ne va ainsi de la fantaisie du mécanisme de Witherspoon, d'une musique très gaie ou de la vacherie rigolarde envers le pauvre psychiatre trop tardivement convaincu. On s’amuse d’autant plus que le format très TZ de 25 minutes (hors pub) fonctionne toujours du tonnerre et que le vétéran Harry Morgan sait insuffler du pittoresque à son personnage. Un épisode léger et plaisant.

Excellente idée ! Cela fonctionne à peu comme cela dans AdC, toutefois si on y perd connaissance sous l'effet de l'effroi, on peut éventuellement ainsi échapper au danger (une tradition chez le Maître de Providence, pour sauvegarder le narrateur...). Les éditions récentes d'AdC ont rajouté des points d'Aplomb, qui permettent que PJ de gérer moins mécaniquement leur SAN (les séjours à l'asile...), avec cette réserve en sus dont ils disposent à leur guise. Mais elle s'épuise aussi très vite et les fins de partie deviennent alors effectivement très difficiles !

Extra Innings (3-02, **)
Suite à une blessure, Ed, joueur de baseball, doit renoncer à sa carrière. Une carte de baseball le transporte en 1910, avec un corps valide lui permettant de jouer. Mais cela crée des difficultés quand il revient en 1988, avec sa femme aussi bien qu’avec sa recherche d’emploi.

Épisode assez en retrait que celui-ci. Ainsi le récit s’avère farci de références au base-ball, ses compétitions et ses rituels et l’on avouera que cet univers nous passionne nettement moins que sans doute l’Américain moyen (outre que je n’ai jamais compris grand choses aux règles). Une bonne nouvelle reste d’ailleurs que le jeune protagoniste du récent Stephen King renonce à ce sport dès les premiers chapitres, bref. Outre tout ce volet ne nous passionnant guère, on regrette aussi une nouvelle histoire se déroulant largement en dehors des 80’s, le nombre d’opus impliquant un voyage dans le temps aura décidément affaibli cet atout maître de l’anthologie, d’autant que la reconstituions historique se voit impactée par le faible budget. On s’étonne aussi de voir des matchs se dérouler la nuit   dans un stade éclairé à l’électricité, en 1910 cela semble audacieux.

La mise en scène n’apporte guère de relief, à l’instar de la prestation du souvent fade Marc Singer, d’ailleurs on saisit ici très clairement pourquoi Diana dévore Mike (métaphoriquement…) dans V. Le plus embrassant demeure la similitude existant avec l’épisode The World Next Door, où le protagonistes devait également choisir entre deux destinées situées à des époques différentes. Un fil narratif déjà dévidé qui de plus se voit brusquement tranché quand la décision est finalement non prise par le protagoniste, mais par sa jeune fan. On pourrait croire à un choix anti-climatique, mais au contraire c’est là que l’épisode trouve en fin son émotion, avec un personnage touchant et sensible, interprété avec fraîcheur par Amber Lea Weston (The Campbells). Malgré cela l’épisode donne surtout envie de revoir le Unnatural des X-Files.

The Crossing (3-03, ***)
Le père Mark Cassidy consacre beaucoup d’énergie à obtenir des fonds caritatifs. Harassé de travail il subit des hallucinations montrant une jeune femme mourir dans un accident de voiture. Mais s’agit-il d’un souvenir ou d’une prémonition.

L’épisode nécessite quelques minutes pour outrepasser un handicap initial, son interprète se voyant interprété par nul autre que Ted Shackelford, l’ineffable Gary Ewing himself, alors même que nous nous situons en pleine diffusion du légendaire Côte Ouest (1979-1993, tes palaces n'abritent que mensonges et passions, entre le calme et l'orage les drames sont des volcans). Il ne joue d’ailleurs pas mal, mais 100 % à la Gary, jusqu’à la moindre posture, d’où un effet hypnotique dont il nous faut nous extraire. Une fois loin de Knots Landing (mon Dieu, c’est si loin tout ça), nous nous retrouvons avec un bon épisode d’ambiance, sachant progressivement lever le voile sur le drame en cours tout en infusant un palpable sentiment de menace immanente.

Mais en soi le récit demeure bien maigre, on tique d’ailleurs quelque peu quand on voit à quel point le scénariste s’efforce de gratter une poignée de minutes lors des répétitions de la visions, tout cela occupe beaucoup de place. Mais les auteurs se montrent suffisamment habiles pour mettre le non-dit en résultant au service d’une conclusion réellement déstabilisante et glaciale, une réussite dans un domaine où l’anthologie n’a pas toujours brillé. Un épisode appréciable, même si, en excluant d’emblée le burn-out (syndrome identifié en 1981) d’un prêtre organisé en Yuppie, il passe à côté d’une fable sociale très à la Twilight Zone.

The Hunters  (3-04, **)

Une grotte récemment découverte contient des peintures rupestres de chasseurs. Alors qu'un groupe d'archéologues les étudie, du bétail est abattu  dans des fermes avoisinantes et les dépouilles sont retrouvées à proximité de la grotte. Le shérif enquête tandis que les peintures se mettent à changer.

Pas grand chose à se mettre sous la dent avec cet épisode, dont l'histoire apparaît comme une copie remarquablement conforme du Still Life de la saison 1 (les peintures se substituant aux photographies), avec certes une tonalité davantage dramatique. Il n'y a guère de suspense tant on comprend immédiatement ce qui se trame, avec de plus une progression des événements ne brillant guère pas la subtilité de ses effets . Une nouvelle fois l'opus se veut un thriller fantastique davantage qu'un récit à la « Rod Serling », mais le public familial visé empêche de jouer franchement la carte de l'épouvante, ce qui prive le récit d'une grande partie de son potentiel.

La conclusion s'avère aussi anti-climatique que possible, tout ça pour ça. Demeure la curiosité d'une peinture négative des natifs (là encore comme pour Still Life), une optique devenue difficilement envisageable en 2023. Au moins la mie en scène résulte soignée, tandis que la distribution réserve quelques surprises, comme la récemment disparue Louise Fletcher dans le rôle de l'archéologue progressiste (passablement ridiculisée par cet opus décidément très 80's à sa manière) et Michael Hogan (le colonel Saul Tigh de BSG) dans celui du shérif au solide bon sens, tous deux excellents.

Dream Me a Life  (3-05, ***)

Dans une maison de retraite, un veuf est chaque nuit plongé dans les rêves de sa voisine, une veuve devenue catatonique depuis la mort de son mari, dix ans plut tôt. D'abord effrayé et lui-même ébranlé par la mort de son épouse, il va tenter de l'aider en agissant sur son univers intérieur.  

L'épisode surfe sur la mode des visites de rêves d'autrui par des médiums, un thème alors popularisé par le succès du film Dreamscape (1984) très imprégné par la littérature de Zelazny. Il choisit de nous immerger d'entrée dans l'expérience aux frontières du réel vécu par le protagoniste, avec un effet choc assuré par un mix de noir et blanc surexposé, d'images syncopées et distordues et de sons électroniques aussi étranges que très 80's. Le problème est que le récit éprouve ensuite du mal à trouver un second souffle. En effet chaque percutante  incursion onirique se voit espacée par de longues plages de dialogues en réalité très convenus entre le héros et son ami - confident.

La prise de conscience des tenants et aboutissants du phénomène est traitée trop linéairement et l'on ne ressent guère de montée de  tension dramatique. Le procédé résulte plus répétitif qu'autre chose, jusqu'à un final passablement mélodramatique. Fort heureusement le trio d'acteurs vétérans s'avère de haut niveau, la présence de Eddie Albert, Frances Hyland et de Barry Morse (avec un rôle très différent de  A Piano in the House) constitue une attraction en soi. En tout un épisode décent pour la première accréditation directe de J. Michael Straczynski cette saison, même si l'on est reste loin du Restless de Joss Whedon. On y songe parfois, tant l'inconnu a priori hostile frappant obstinément à la porte évoque la séquence de Xander.  

Memories (3-06, ****)

La psychologue Mary emploie la régression, hypnose qui permettrait à ses patients de revivre leurs vies passées. Un jour elle pénètre dans une réalité alternative, où la réincarnation existe au grand jour et où l’on se souvent de ses vies antérieures. Dès lors sa carrière va prendre un étonnant détour.

On ressent comme un parfum à la Sliders (« Un monde de réincarnations » ?) pour cet épisode amusant et enlevé, sans doute le meilleur de sa saison jusqu’ici. On apprécie beaucoup Mary, campée avec charme et détermination par une excellente Barbara Stock, hélas un peu oubliée aujourd’hui après avoir été une figure régulière des années 80 et 90. Même si, en définitive, elle agit peu sur des évènements qu’elle subit, elle réagit avec plus d’opiniâtreté et de résilience que bien d’autres quidams de la Twilight Zone catapultés dans une réalité divergente. Même si le récit peut s’apparenter à une légère satire de thèmes New Age en vogue dans les 80’s, Mary reste un personnage positif, croyant à ce qu’elle professe et dévouée à son prochain. On ressent une vraie empathie envers elle tout au long de sa singulière aventure. Mais sur un mode en définitive assez similaire à l’irrésistible L'Univers en folie de Fredric Brown, les réincarnations se substituant ici la SF de l’Age d’Or, c’est en définitive ce monde à l’envers qui nous ravit.

En effet, tout comme Philip K. Dick dans A Rebrousse-Temps et consorts, l’épisode a la bonne idée d’aller jusqu’au bout de son postulat initial. Certes, il se contente, par manque de temps, d’énumérer les dingueries que celui-ci implique, mais ces concepts parlent directement à notre imagination (prolifération des suicides en espérant un meilleur destin, vies hantées par le souvenir écrasant des multitudes de morts subies, responsabilité légale post mortem, chaque génération plus critique que la précédente, etc. On se situe loin du romantisme exacerbé du The Field Where I Died des X-Files ! Le procédé permet aussi à Memories d’achever de s’imposer comme un pur épisode de la Zone Crépusculaire, puisqu’à côté de la figure de la réalité déréglée, on y trouve celle de la fable morale.Car c’est bien grâce à  son souci d’autrui que Mary parvient à trouver sa place en ce monde. Une jolie manière d’affirmer une universalité des valeurs humaines, quelque soit l’univers considéré.

The Hellgramite Method  (3-07, ***)

Un alcoolique est sur le point de perdre sa famille. Un mystérieux médecin lui propose une pastille miracle, qu’il avale. Il découvre qu’il s’agit d’une larve ingérant l’alcool consommé, mais grossissant indéfiniment . Il doit cesser de boire ou mourir, mais la larve en manque devient alors très douloureuse.

On peut reprocher à l’épisode une trop longue période d’exposition, conduisant le malheureux protagoniste à ne débuter la « cure » qu’à mis parcours. D’où une résolution trop rapide laissant plusieurs points dans l’ombre (pour ne pas tenter de consulter un médecin ?; Quid de sa famille ? Quel est son réel ressenti final?, etc.). Néanmoins on apprécie que ce retour à la thématique de l’alcoolisme s’avère plus ouvert que lors de Kentucky Rye en saison 1. La condamnation de l’alcoolique s’y montrait absolue et sans retour, tandis qu’ici on le considère comme partiellement victime et, surtout, capable de s’en sortir à l’issue d’un processus certes ô combien douloureux.

Quasi dépourvu d’élément de Science-fiction, hormis un simple détournement du ver solitaire, l’épisode se veut avant tout une parabole de l’aide extérieure apportée à la personne, sans mièvrerie aucune. On pense bien sûr aux Alcooliques anonymes chers à Stephen King. A défaut de jamais surprendre le spectateur, tant les péripéties y demeurent prévisibles, le tout se montre éloquent grâce à la formidable performance de Timothy Bottoms. Surtout connu aux USA pour ses  interprétations de son quasi-sosie George W. Bush, il rend ici très crédibles les souffrances de son personnage.  

Our Selena is Dying  (3-08, ***)

Agonisante, Selena, matriarche d'une famille huppée, et sa petite-fille, invitent une parente éloignée dans la résidence familiale. Mais Selena regagne alors des forces, tandis que l'invitée semble souffrir d'un vieillissement précoce. Cette coïncidence trouble le médecin de famille.

Les étoiles semblent s'aligner pour cet épisode écrit par Straczynski à partir d'une histoire originelle de Rod Serling. Même si le thème de la vampirisation de la force vitale figurait déjà dans le Queen of the Nile de TZ, on peut supposer que Serling a conçu son texte initial pour Night Gallery, tant l'opus résulte imprégné par l'épouvante gothique. La grande idée consiste à transposer le genre dans une banlieue aisée et paisible des 80's, le contraste en résultant rendant le récit plus dérangeant encore. Et le précédé fonctionne  bel et bien, avec comme une allure de Roger Corman à Wisteria Lane. Décors, péripéties, postures et dialogues d'acteurs plaisamment caricaturaux (même si relativement peu connus) se voient transposés sans coup férir, avec une vraie maîtrise du sujet sans doute partagée par les deux auteurs, jusqu'à une fin très à la The Pit and the Pendulum.

Malheureusement les finitions convainquent moins, car, sans doute par manque de temps, le scénario n'est pas exempt de trous. A quoi au juste sert un médecin aux deux Vampires de force vitale, hormis à se compliquer la vie ? Pourquoi toujours choisir celui-ci dans la même famille ? Pourquoi le Igor local trahit-il soudain ses maîtresses ? Pourquoi attendre d'être au seuil, de la mort pour se « ressourcer » ? Trop de flou perdure tout au long de l'histoire. Cela n’empêche pas d'admirer plusieurs effets visuels réussis par la caméra de Bruce Pittman, qui venait alors de tourner l'un des Slashers les plus gratinés de la décennie, avec Hello Mary Lou: Prom Night II (1987).

The Call (3-09, ****)

Homme souffrant d'une grande solitude, Norman  entre en contact avec une inconnue en tapant un faux numéro. Leurs conversations les rendent très proches, mais elle refuse de le rencontrer. Norman découvre une étonnante vérité : il communique avec la statue d'une jeune femme s'étant suicidée à force de solitude.  

A l'occasion de ce mix particulièrement réussi entre Long Distance Call et The After Hours, J. Michael Straczynski, ici directement à l'écriture, nous offre tout bonnement l'un des chefs d’œuvre de The New Twilight Zone.Il entremêle en effet à merveille l'effroi et l'émotion tout au long d'un récit prenant de bout en bout et parvenant à prolonger le suspense après la révélation de l'interlocutrice de Norman. La peur naît du volet purement Fantastique de l'histoire, le choc de la révélation mais aussi les vues suggestives de la statue seule dans on musée et particulièrement suggestive dans son expression d'une souffrance intérieure.

Jamais l’épisode ne commet l'erreur de nous la montrer animée ou de la rendre visible durant une conversation téléphonique. Les techniques disponibles en 1988 rendraient le procédé bien hasardeux et il est surtout bien plus habile de laisser travailler l'imagination du spectateur en préservant le mystère de l'indicible. Le malaise naît aussi de la solitude du héros, dont l'on perçoit bien, sans doute davantage que lui-même, à quel point il est au bout du rouleau et proche du suicide. Une épée de Damoclès qui le poursuit toujours davantage et à laquelle il va échapper grâce à la plus inattendue des rencontres.

Outre un final aussi troublant qu'étrangement romantique à sa manière (l'un des plus réussis de l'anthologie jusqu'ici), l'émotion naît également de la subtile composition de William Sanderson. Celui-ci se montrera pareillement bouleversant dans les X-Files, avec le protagoniste de Blood également en prise à un interlocuteur mystérieux, mais autrement plus sinistre (« Kill Them All ») que l'éplorée statue de  Straczynski. Un grand souvenir des premières saison des X-Files. Rien ne manque au succès de ce touchant et enténébré compte de fées au sein de la Zone crépusculaire, même la vacuité des décors quotidiens (appartement, bureau) y renvoie de l'existentialiste vécue par Norman. Un épisode parfaitement dosé et marqué par l'ombre de la Mort, qui aurait sans doute beaucoup plu à Charles Beaumont.

The Trance (3-10, **)

Aidé par son agent, un faux medium escroque ses clients en prétendant invoquer Délos, un prince de l'Atlantide. Toutefois il finit par être réellement possédé par un esprit moqueur, ce qui va lui jouer une cruelle mésaventure lors d 'une interview télévisée.

L'épisode apparaît comme un clair remake de The Healer (saison 1), ce que les auteurs Jeff Stuart et  J. Michael Straczynski ont d'ailleurs l'honnêteté de reconnaître en insérant un clin d'œil au shaman venu de Panama. Malheureusement cette version convainc moins que la précédente, malgré l'amusant numéro du regretté Peter Scolari, un an avant la sortie du film Chérie, j'ai rétréci les gosses qui devait lui apporter son rôle le plus remémoré grâce à son adaptation télévisée. Ainsi la démonstration de l'escroquerie occupe-t-elle un bon tiers d'un épisode déjà bref, ce qui conduit la suite des événements à devoir devenir schématique.

Avec le procédé cette fois retenu, le mettant ici en proie à un esprit hostile et non à son propre pouvoir, le protagoniste a nettement moins de latitude que précédemment. Du coup on se demande bien pourquoi il s'entête à vouloir passer à la télévision malgré tout, puisque elles devenue un casse-pipe assuré. La critique médiatique demeure bien présente elle apparaît moins aiguë en mettant en scène un vulgaire escroc au lieu d'une personne laissant se dévoyer son don.  Le surcroît de sadisme final résulte également quelque peu mélodramatique.

Acts of Terror (3-11, ****)

Une femme battue par son mari se voit offrir par sa sœur une statuette représentant un molosse. Quand le mari s'en prend à elle, la colère de l'épouse donne vie au chien, qui attaque l'homme.

Si elle manque de rebondissements (les prises de décisions de l'épouse étant aussi légitimes que prévisibles), l'histoire a le mérite de s'intéresser aux violences conjugales en une décennie où le sujet demeurait bien moins abordé qu'aujourd'hui. Durant toute une première moitié du récit J. Michael Straczynski a l'habileté de laisser en retrait l'élément Fantastique pour nous montrer sans fards le vécu de cette femme et résultat s'avère purement et simplement  terrifiant. L'épouvante, proche du film Cujo (1983), vient encore en rajouter, mais c'est bien ce premier malaise qui impactera avant tout le spectateur.

Les deux acteurs sont excellents, Melanie Mayron apporte beaucoup de sensibilité à son rôle, tandis que le regretté Kenneth Welsh (Twin Peaks, X-Files) est bien évidemment totalement dans son emploi. Tout comme Peter Scolari (opus précédent), tous deux ont récemment disparu, décidément les 80's comment  devenir bien lointaines... (soupir). Dans l'une de ses touts premières réalisations référencées, Brad Turner fait déjà preuve de l'efficacité qui le caractérisera dans 24h Chrono et Stargate SG-1, une belle carrière l'attend. Un épisode d'une force remarquable.

20/20 Vision  (3-12, *)

Un employé de banque dont les lunettes ont été cassées s'aperçoit qu'en les mettant, i voit l'avenir. Il va utiliser cette singularité pour faire le Bien, notamment sauver une famille de fermiers que la banque s’apprête à expulser.

Un nouveau remake pour The New Twilight Zone, puisque le sujet comme, tout  le cadre d'une agence bancaire; évoquent clairement A Penny for Your Thoughts. Mais le style varie totalement entre les deux épisodes, puisqu'à l'humour malicieux et parfois cynique de l'épisode Serling succède ici une histoire aussi pontifiante et moralisatrice qu'un opus de Touched by an Angel. Tout relève de l'imagerie d’Épinal, aussi bien le banquier très méchant que les fermiers échappés de Walnut Grove (même l'histoire de la route évoque le poncif du chemin de fer dans les Westerns). L'histoire est biblique, le Héros pétri de bonté, loyal et droit, allant volontairement au sacrifice. On nous place comme fil rouge la chute d'une secrétaire que le Bon Samaritain parvient aussi à sauver, sans doute pour faire bon poids. Un épisode donnant comme un avant-goût de la Twilight Zone façon Joedan Peele.

There was an Old Woman   (3-13, ***)

Âgée, une autrice de livres pour la jeunesse décide se retirer, son public préférant désormais les jeux vidéos. A la demande d'une mère, elle rend toutefois visite à un enfant très malade adorant ses livres. Elle va découvrir l'importance que ceux-ci conservent pour les enfants d'hier et d'aujourd'hui.

Encore un nouvel emprunt à la Twilight Zone de Bruce Serling, tant, au-delà des différences d'âge et d'époques, nous nous retrouvons ici face à un remake de The Changing of the Guard. Les convergences apparaissent en effet très nombreuses, jusqu’au final et au fait qu'il s'agisse aussi d'un épisode de Noël, diffusé le 17 décembre 1988 (j'allais sur mes vingt ans...). Demeurés très ponctuels durant les deux premières saisons, ces hommages tendent à se multiplier, il ne faudrait pas que cela soit dû à un épuisement de l'imagination. Et ce d'autant plus que l'épisode constitue un bel éloge de la magie que la littérature exerce sur l'imaginaire des enfants. Il s'agit sans doute de son point le plus fort; en outre sachant se distinguer  de son modèle, qui se centrait davantage sur l'apport des grands écrivains aux jeunes adultes (masculins).

L'émotion ressentie est palpable, du fait du pauvre gosse (nous ne nous situons pas ici dans la TZ), mais aussi de la remarquablement sensible prestation de Colleen Dewhurst, grande figure du théâtre canadien. Elle fait  jeu égal avec Donald Pleasence, c'est tout dire, je pense. Malheureusement à mi chemin l'opus opte pour un suspense à la Poltergeist séquence hors sujet se prolongeant de manière à déboucher sur une fin à chute, là où Serling restait davantage cohérent en conservant jusqu'au bout la forme d'un conte de Noël. On aurait préféré que ce temps soit consacré à exposer les conséquences de l'arrivée des jeux vidéos dans les 80's, sujet captivant à peine esquissé ici. A noter que parmi les caractéristiques du couple détestable, l'épisode intègre le fait que la femme ne veuille pas d'enfants. Oups, nous sommes bien dans les 80's.

The Trunk (3-14, *)

Le tenancier d'un hôtel miteux découvre un coffre magique où il peut faire apparaître tout ce qu'il désire. Il en profite pour donner une fête où il invite tous les locataires. Mais sa soudaine fortune suscite la convoitise de mauvais garçons.

Alors là, pour le coup je suis passé à côté de cet épisode au point de me demander quel en était le but.. On perçoit bien qu'il s'agit d'une fable morale à la Rod Serling, opposant la vraie richesse des sentiments à la matérialiste (problématique très 80's, en plus). Mais rien n'a de sens. Le héros fustige la vile séductrice en lui assénant vertueusement qu'il chercher quelqu'un qui l'aime pour ce qu'il est et on ce qu'il a, alors même qu'il donne une fête pour acheter l'amitié des gens à coups de cadeaux. C'est une fois qu'il a compris la leçon du jour qu'il est châtie par l'Artefact. Avant un pseudo happy end sorti, sinon du coffre, du moins du chapeau. Entre temps on a passé beaucoup d de temps dans une fête très ennuyeuse, peuplée de personnages peu reluisants et atrocement mal joués. Le tout est filmé sans relief particulier. Si c'est ça, on préfère encore les remakes. Un épisode à vous donner la nostalgie du Bagage de Rincevent.

Appointment on Route 17   (3-15, *)

Un homme d’affaires reprend le travail après une transplantation cardiaque réussie. Toutefois, il se sent mystérieusement attiré par une belle inconnue. Il apprend que le cœur qui lui a été greffé est celui du fiancé de celle-ci, décédé dans un accident de la route.

Les années 80 voient d’importants progrès s’accomplir dans le domaine des transplantations cardiaques (ciclosporine, premier cœur artificiel implanté en 1986…), mais, hélas, l’épisode n’évoque pas cette actualité. Bien au contraire, il opte pour en revenir au poncif absolu des greffes transplantant une part de la personnalité ou de l’anima du donneur au récepteur. Dans les années 1920, Les Mains d’Orlac c’était déjà ça (en mieux). Il a la mauvaise idée de traiter cela sous forme de suspense , vite éventé puisque l’on comprend immédiatement de quoi il en retourne, bien avant un happy-ending au bon goût de guimauve. Mais si l’idée initiale apparaît foirée d’emblée, c’est surtout son traitement qui montre la misère, parce  qu’absolument tout dans ce récit s’avère traité en mode Soap Opera total,

En effet la fade romance multiplie les scènes confondantes filmées genre Côte Ouest, les jeux terriblement appuyés des comédiens, les poncifs du type la rivale fielleuse ou la bonne copine confidente, l’homme riche et la femme serveuse de restaurant, en conte de fées faisandé, etc. En plus vu en 2023 l’ensemble fait très cringe (comme de nombreuses scènes de Dallas ou Dynasty, en vérité) puisque c’est l’histoire d’un type qui insiste, insiste encore, impose sa présence jusqu’à ce la femme dise oui. Ambiance 80’s assurée.  On peine à trouver un centre d’intérêt, les rares extérieurs de Toronto se montrant bien inférieurs à ceux des TNA. En plus par son look et sa blonde chevelure ondoyante, le héros évoque inexorablement le Jean-Pierre François du mythique « Je te survivrai », en 1989. Autant vous dire que l’épisode lui-même supplie pour qu’on l’achève.